Visitando Madrid 2009 vs 2012

Sitio del Museo del Prado

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 28, 2010

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Puerta de Velázquez

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Museo del Prado, Madrid

Velázquez, autoretrato

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 28, 2010


Velázquez. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Nacionalidad: España ,,,, Sevilla 1599 – Madrid 1660 ,,,, Pintor
Estilo: Barroco Español ,,,, Escuela: Barroco sevillano , Escuela Española
Obras: 109
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español, nació en Sevilla en 1599. A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Al año siguiente, con 19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro, hecho habitual en aquella época, con quien tendrá dos hijas. Entre 1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada por el estilo tenebrista, influenciado por Caravaggio, destacando como obras El Aguador de Sevilla o La Adoración de los Magos. Durante estos primeros años obtiene bastante éxito con su pintura, lo que le permite adquirir dos casas destinadas a alquiler. En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV, gran amante de la pintura. A partir de ese momento, empieza su ascenso en la Corte española, realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los Borrachos. Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens, durante la estancia de éste en Madrid, en 1629 viaja a Italia, donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. En Italia pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica de José, regresando a Madrid dos años después. La década de 1630 es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos para el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los retratos de caza. Su pintura se hace más colorista destacando sus excelentes retratos, el de Martínez Montañés o La Dama del Abanico, obras mitológicas como La Venus del Espejo o escenas religiosas como el Cristo Crucificado. Paralelamente a la carrera de pintor, Velázquez desarrollará una importante labor como cortesano, obteniendo varios cargos: Ayudante de Cámara y Aposentador Mayor de Palacio. Esta carrera cortesana le restará tiempo a su faceta de pintor, lo que motiva que su producción artística sea, desgraciadamente, más limitada. En 1649 hace su segundo viaje a Italia, donde demuestra sus excelentes cualidades pictóricas, triunfando ante el papa Inocencio X, al que hace un excelente retrato, y toda la Corte romana. Regresa en 1651 a Madrid con obras de arte compradas para Felipe IV. Estos últimos años de la vida del pintor estarán marcados por su obsesión de conseguir el hábito de la Orden de Santiago, que suponía el ennoblecimiento de su familia, por lo que pinta muy poco, destacando Las Hilanderas y Las Meninas. La famosa cruz que exhibe en este cuadro la obtendrá en 1659. Tras participar en la organización de la entrega de la infanta María Teresa de Austria al rey Luis XIV de Francia para que se unieran en matrimonio, Velázquez muere en Madrid el 6 de agosto de 1660, a la edad de 61 años.

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3652.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Diego_Vel%C3%A1zquez

Los Borrachos

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Los Borrachos, El Triunfo de Baco
Velázquez ,,,, 1628-29 ,,,, Oleo sobre lienzo 165 x 188 cm.
Museo del Prado

Posiblemente sea ésta una de las obras de Velázquez más famosas y reproducidas; fue pintada para Felipe IV entre 1628-1629, siendo pagada el 22 de julio de 1629. El artista quiso representar a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino, que lo libera, al menos de forma temporal, de sus problemas cotidianos, por lo que Baco se convierte en uno de los borrachos que participan en la fiesta, diferenciándose de los demás por su piel más clara. El asunto ha sido tratado como una escena realista y popular, del mismo modo que si estuviésemos ante una merienda de amigos en el campo; por esto el título original ha sido sustituido popularmente por “Los Borrachos”. Se ha supuesto que el tema mitológico y el aire divertido de la obra fueron sugeridos por Rubens, en aquellos momentos en Madrid. La escena puede dividirse en dos mitades: la izquierda, con la figura de Baco muy iluminada, cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio, y la derecha, con los borrachines, hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta, con un aire muy español similar a Ribera. En esta obra, Velázquez introduce un aspecto profano a un asunto mitológico, en una tendencia que cultivará aún más en los siguientes años.
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/28.htm

La fragua de Vulcano

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Diego Velázquez ,,,, 1630 ,,,, Óleo sobre lienzo – Barroco ,,,, 223 cm × 290 cm
Museo Nacional del Prado, Madrid
La fragua de Vulcano es una obra de Diego de Velázquez realizada después de su primer viaje a Italia en 1629, los críticos están de acuerdo en fechar la obra en 1630 al mismo tiempo que su cuadro “La túnica de José”. Parece ser que ambos cuadros se hicieron sin el encargo del rey, aunque sí pasaron a formar parte de colecciones reales al poco tiempo. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado donde ingresó el 5 de agosto de 1819.
El cuadro describe el momento en que el dios Apolo, coronado de laurel visita el lugar donde Vulcano se encuentra fabricando armas para la guerra. La corona de laurel sobre la cabeza permite identificar al personaje como Apolo. El dios Apolo comunica a Vulcano el adulterio de su esposa Venus con Marte, dios de la guerra, por esa razón todos los personajes miran con cara sorprendida al dios que acaba de presentarse en el estudio, incluso alguno de ellos abre la boca y los ojos para indicar este gesto de sorpresa.

Velázquez se inspiró para realizar esta obra en un grabado de Antonio Clempesta, modificándolo ampliamente.
Esta obra la realizó en Roma sin mediación de encargo a instancias del pintor Pedro Pablo Rubens que había visitado España aquel mismo año de 1629. Velázquez realiza dos grandes lienzos en la casa del embajador español. Son dos lienzos que constituyen pareja y que se trae con su equipaje de regreso a España: La túnica de José y La fragua de Vulcano.
http://es.wikipedia.org/wiki/La_fragua_de_Vulcano

Cristo crucificado

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Diego Velázquez ,,,, 1639 ,,,, Óleo sobre lienzo – Barroco ,,,, 249 cm × 170 cm
Museo del Prado, Madrid
Cristo crucificado es un lienzo de Velázquez, conservado en el Museo del Prado desde 1829.
Durante su estancia en Roma, Velázquez hizo varios estudios del desnudo en los cuadros que pintó, como en La fragua de Vulcano (1630), y La túnica de José. Los críticos de arte aseguran que el estudio de desnudo de este cuadro es algo excepcional y magistral por la fusión que demuestra de serenidad, dignidad y nobleza. Es un desnudo frontal, sin el apoyo de escena narrativa ni posibilidad de variantes en la actitud del Cristo. En esta obra Velázquez hace un alarde de maestría y consigue que el espectador pueda captar la belleza corporal y la serena expresión de la figura.
http://es.wikipedia.org/wiki/Cristo_crucificado_(Vel%C3%A1zquez)

Las Lanzas

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Las Lanzas, La Rendición de Breda
Autor: Velázquez ,,,, Fecha:1635 ,,,, Oleo sobre lienzo 307 x 367 cm.
Museo del Prado
Obra realizada para el Salón de Reinos del madrileño Palacio del Buen Retiro, actualmente destruido; se fecharía antes del mes de abril de 1635 y representa un episodio de la Guerra de Flandes ocurrido el 5 de junio de 1625. Tras un año de sitio por parte de las tropas españolas, la ciudad holandesa de Breda cayó rendida, lo que provocó que su gobernador, Justino de Nassau, entregara las llaves de la ciudad al general vencedor, Ambrosio de Spínola. Pero Velázquez no representa una rendición normal sino que Spínola levanta al vencido para evitar una humillación del derrotado; así, el centro de la composición es la llave y los dos generales. Las tropas españolas aparecen a la derecha, tras el caballo, representadas como hombres experimentados, con sus picas ascendentes que consideradas lanzas por error dan título al cuadro. A la izquierda se sitúan los holandeses, hombres jóvenes e inexpertos, cuyo grupo cierra el otro caballo. Todas las figuras parecen auténticos retratos aunque no se ha podido identificar a ninguno de ellos, a excepción del posible autorretrato de Velázquez, que sería el último hombre de la derecha; al fondo aparecen las humaredas de la batalla y una vista en perspectiva de la zona de Breda. La composición está estructurada a través de dos rectángulos: uno para las figuras y otro para el paisaje. Los hombres se articulan a su vez a lo largo de un aspa en profundidad, cerrando dicho rectángulo con los caballos de los generales. La técnica pictórica que utiliza aquí el artista no es siempre la misma sino que se adapta a la calidad de los materiales que representa, pudiendo ser bien compacta, como en la capa de la figura de la izquierda, bien suelta, como en la banda y armadura de Spínola. Breda volvió para siempre a manos holandesas en 1639.
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/31.htm

Felipe IV, a caballo

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Autor: Velázquez ,,,, Fecha:1634-35 ,,,, Oleo sobre lienzo 301 x 304 cm.
Museo del Prado
De entre los retratos ecuestres pintados por Velázquez para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, éste es uno de los pocos que fue realizado enteramente por el maestro. Buena prueba de ello son los arrepentimientos típicos que encontramos en las patas traseras y en la cola del caballo y en la cabeza y el busto de Felipe IV. El monarca aparece representado de perfil, vestido con una armadura, bastón de mando y banda carmesí de general. El caballo alza las patas delanteras en una maniobra de alta escuela de equitación denominada levade o corveta, para la que el rey emplea una sola mano. Así da una muestra de dominio y capacidad de mando, siendo una alegoría del poder. Paradójicamente, el poder en estos momentos estaba en manos del valido de su majestad, el omnipotente Conde-Duque de Olivares.Velázquez muestra ahora un estilo más suelto y luminista, utilizando diferentes tonalidades de color que hacen que su etapa sevillana – con obras como la Adoración de los Magos o el retrato de Sor Jerónima de la Fuente – se pueda catalogar de austera. En esta escena la sensación de tercera dimensión está perfectamente conseguida a través de un paisaje casi impresionista , conseguido a través de bandas paralelas de color. Se supone que tras la figura real se encuentra la sierra del Guadarrama, por lo que el retrato se podría haber realizado en el monte de El Pardo.Esta obra serviría como modelo para que el escultor Pietro Tacca realizara la estatua ecuestre de Felipe IV que hoy se puede observar en la madrileña plaza de Oriente, frente al Palacio Real.
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/229.htm

Don Diego de Acedo, el Primo

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Autor: Velázquez ,,,, Fecha:1636 ,,,, Oleo sobre lienzo ,,,, 107 x 82 cm.
Museo del Prado
Posiblemente fue este retrato encargado para la Torre de la Parada, junto a El bufón Calabacillas y Francisco Lezcano, donde está documentado hasta 1714, fecha en la que la construcción fue destruida casi en su totalidad por el incendio que provocaron las tropas austríacas durante la Guerra de Sucesión. Don Diego de Acedo era enano pero no bufón, ya que trabajaba como funcionario de palacio en la Secretaria de la Estampilla, por lo que Velázquez le representó con varios libros voluminosos. Este retrato es uno de los mejores del maestro al captar una gran fuerza en la inteligente mirada del personaje, con un aspecto pensativo que podría indicar el esfuerzo que ha hecho para ocupar ese puesto a pesar de su deficiencia física. La ejecución es muy suelta, apreciándose manchas de pintura en el rostro y en el traje, mientras que el paisaje está obtenido con manchas de color, en una gama perfecta de grises y platas. Estamos acercándonos a las mejores obras del sevillano, en las que la perspectiva aérea será gran protagonista. Aunque pueda parecer extraño, el Primo tenía fama de mujeriego y conquistador, por lo que pudo estar relacionado con el asesinato de la mujer del aposentador Encinillas, quien la mató por celos de un enano.
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/244.htm

Conde-Duque a caballo

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Autor: Velázquez ,,,, Fecha:1638 ,,,, Oleo sobre lienzo
Museo: Museo del Prado y Metropolitan Museum
Barroco Español. Esta pintura ecuestre del conde-duque de Olivares alude a la defensa de Fuenterrabía del año 1638, victoria obtenida gracias a la aportación económica del propio conde-duque que pagó de su bolsillo el sueldo de dos compañías necesarias para dicha defensa. Don Gaspar no fue al País Vasco ni estuvo presente en la batalla pero las glorias de los gobernantes fueron siempre perfectamente interpretadas por Velázquez. El gesto seguro y dominante del valido de Felipe IV llena una composición en la que destaca el magnífico escorzo en diagonal del caballo y el retorcimiento de la figura, realizadas ambas con una pincelada rápida pero precisa, intentando conseguir el efecto atmosférico que tanto preocupaba la maestro.

Don Gaspar de Guzmán y Pimentel era el hombre más importante del reinado de Felipe IV. Desde su cargo de valido manejaba las riendas de la monarquía en un intento de imponer cierto orden a la situación política en la que se encontraba España. Los primeros años de su mandato fueron muy prósperos para el país, obteniendo una serie de victorias importantes en el conflicto con los Países Bajos, destacando la toma de Breda que Velázquez captaría en su cuadro de Las Lanzas. En los años en los que fue pintado este excelente retrato, el Conde-Duque de Olivares está en el momento más álgido de su poder, al poco tiempo de cambiar de orden militar: abandonó la de Calatrava para ingresar en la de Alcántara, por lo que lleva una cruz en color verde bordada en el pecho y en la capa. Este hecho ocurrió en 1624 por lo que el retrato estaría fechado alrededor de ese año, pudiendo ser conmemorativo de ese cambio. En su mano derecha porta la fusta de Caballerizo Mayor en posición casi vertical – simbolizando su absoluta autoridad – mientras que de su cinturón sobresale una nota de color dorado, tratándose de la llave de Mayordomo Mayor. El valido se sitúa en tres cuartos, tendiendo a colocarse de perfil. Esta postura vendría motivada por la enorme talla de Don Gaspar, tanto de altura como de anchura, intentando Velázquez disimularlo lo más posible. Tras él contemplamos una mesa cubierta con un tapete rojo, muy habitual en los retratos oficiales, dando la impresión de que el Conde-Duque apoya su mano derecha sobre dicha mesa. Los detalles del bordado de la cruz, la cadena de oro que cruza su pecho o el prendedor dorado con el que se sujeta la capa demuestran la altísima calidad del maestro a la hora de realizar retratos. Pero lo más interesante sería la manera de captar la personalidad del modelo, fijándose en esa mirada inteligente y penetrante a la vez que altiva y dominante con la que el Conde-Duque maneja y dirige los asuntos de Estado. La postura de las manos, especialmente la izquierda agarrando la empuñadura de la espada, son signos inequívocos del poder del personaje. El Conde-Duque visitó en numerosas ocasiones Sevilla – no en balde sus posesiones estaban en el cercano pueblo de Olivares – frecuentando la tertulia de Francisco Pacheco, donde conocería el genio del joven Velázquez. Gracias a Don Gaspar el artista se trasladó a Madrid y obtuvo el cargo de Pintor del Rey, iniciando su despegue.

http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/216.htm

La coronación de la Virgen

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Autor: Velázquez ,,,, Fecha:1641/44 ,,,, Óleo sobre lienzo 176 x 124 cm.
Museo del Prado
No es muy habitual que Velázquez realizara obras de temática religiosa al ser los retratos su especialidad. En esta ocasión le fue encargada la Coronación de la Virgen para el oratorio del cuarto de la reina Isabel de Borbón en el Alcázar de Madrid. Se integraría en la serie de cuadros realizados en Nápoles por Andrea Vaccaro y traídos a Madrid por el cardenal Don Gaspar de Borja, dedicados a las festividades de la Virgen María. Se ha pensado en diferentes puntos de referencia que pudo tomar el maestro, como El Greco, Durero o Rubens, aunque bien es cierto que la escena admite pocos cambios. Así, María se coloca en el centro, Cristo a la izquierda, Dios Padre a la derecha y el Espíritu Santo entre ambos, formando la Trinidad. La novedad vendría por el aire de naturalidad que ha insuflado Velázquez a las tres sagradas cabezas y por la adecuación de la técnica a cada una de las partes del lienzo, más espesa en los paños y más suelta en las cabezas y en las manos. La composición se inscribe en un triángulo, figura muy empleada en el Barroco italiano que posiblemente utilizara el maestro para no diferenciarse en exceso de las restantes obras con las que compartiría espacio, todas ellas de manos de Vaccaro. Hay que hacer una especial alusión a los angelitos pintados por Velázquez, que no tienen nada que envidiar a los que han hecho tan famoso a Murillo. La técnica resulta bastante libre ya que el maestro pronto se va a acercar a sus mejores escenas, Las Meninas y Las Hilanderas.
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/249.htm

Las Meninas

Posted in Velázquez, pintor(1599-1660) by lfvazquez on mayo 27, 2010


Las Meninas, La familia de Felipe IV
Diego Velázquez, 1656 ,,,, 310 cm × 276 cm ,,,, Óleo sobre lienzo – Barroco
Museo del Prado, Madrid
Conocida popularmente desde el siglo XIX como Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente como La familia de Felipe IV y es, probablemente, la obra más importante del pintor español Diego Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes indirectas se data en 1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid.
Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. Un espejo representado al fondo de la pintura refleja las imágenes del rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria, según unos historiadores, entrando a la sesión de pintura, y según otros, posando para ser retratados por Velázquez; en este caso serían la infanta Margarita y sus acompañantes los que venían de visita para ver la pintura de los reyes.

http://es.wikipedia.org/wiki/Las_Meninas

Las Hilanderas

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Las Hilanderas, La fábula de Aracné
Autor: Velázquez ,,,, Fecha:1657 ,,,, Características:220 x 289 cm.
Museo: Museo del Prado
Una de las obras más interesantes y enigmáticas del pintor sevillano, sobre todo en cuanto al tema, es La fábula de Aracné. Fue pintado casi con total seguridad en 1657 para D. Pedro de Arce, Montero del Rey, aunque en el siglo XVIII ya figura en las colecciones reales. En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz. El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida. Estamos ante una de las mejores pinturas, en la que Velázquez ha sabido dar sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca de la izquierda, cuyos radios no vemos, y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. También hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas. La pincelada no puede ser más suelta, utilizando manchas como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz. La luz viene de la derecha, siendo admirable que con tan limitado colorido se obtenga esa excelente luminosidad. El artista consigue anticiparse al Impresionismo en 250 años. Los añadidos posteriores en los cuatro lados hacen la obra más grande pero no menos interesante.

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/37.htm

Las hijas de la familia Boit

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Autor: John Singer Sargent ,,,, Fecha:1882 ,,,, óleo sobre lienzo, 222,5 x 222,5 cm,
Museo de Bellas Artes de Boston
Los retratos de Sargent revelan la individualidad y la personalidad de los retratados. Sus más ardientes admiradores piensan que sólo es comparable con Diego Velázquez, uno de los pintores que más influyó en él.
‘Las hijas de Edward Darley Boit’ fue un encargo del propio padre de las niñas representadas, un rico abogado de Boston, coleccionista y pintor él mismo con el que Sargent se relacionó en París.

John Singer Sargent (12 de enero de 1856 – 14 de abril de 1925) fue el retratista con más éxito de su época, así como un pintor con talento en la representación de paisajes y acuarela. Fue un expatriado de Estados Unidos que pasó gran parte de su vida en Europa. Sargent nació en Florencia, Italia de padres americanos. Estudió en Italia, en Alemania y en París con Emile Auguste Carolus-Duran.

El Museo del Prado exhibe, por primera vez juntas, la obra cumbre de John Singer Sargent, ‘Las hijas de Edward Darley Boit’ (1882) y ‘Las Meninas’ de Velázquez, una pintura que inspiró ese cuadro del artista norteamericano y que pudo contemplarse en el museo hasta el 30 de mayo 2010 como parte del programa ‘La obra invitada’, patrocinado por la Fundación Amigos del Museo de Prado.